动作表演（action acting）：一种在动作/冒险片中出现的表演类型。它要求面部反应和肢体语言、力量以及协调性方面的表演技巧，而较少要求情感或思想传达上的细腻与深度。
改编（adaptation）：基于文学作品拍摄的电影。
前进色（advancing colors）：有些颜色被赋予高饱和度和低明度时，看上去就像从背景中向前迈进，使物体看上去更大，离摄影机更近，如红色、橘色、黄色和淡紫色。
寓言（allegory）：一种故事类型，故事中的每个对象、事件和人物都有着可直接辨别的、抽象或隐喻性的意义。
环境声音（ambient sound）：任何电影场景的环境所自然产生的画外音，如忙碌的办公大楼内响起的电话铃声或森林中鸟儿叽叽喳喳的叫声。
相似和谐（analogous harmony）：由色环上相毗邻的色彩创造出的效果，如红色、橘红色和橘色这样的相邻色彩。这样的组合产生色彩柔和的画面，较少刺眼的对比。
环境色彩（atmospheric color）：在色彩丰富的环境中在各种色彩和光源影响下形成的色彩。
作者导演（auteur）：字面上指电影的“作者”。聚焦作者导演的电影批评认为，特定导演为其影片提供了决定性的设想，包括构思电影故事、撰写剧本、制作、执导，并密切监督电影制作流程中的其他绝大多数步骤。
蓝幕遮片合成（blue—screen process）：一种特殊视觉效果的拍摄技巧，在蓝色屏幕背景前拍下演员的动作表演，经过处理后插入多个不同的背景环境中；这也是遮片合成拍摄（matteshot）的一种。
漫画化（caricature）：指个人特征的夸张或变形，卡通绘画中的一种常用技巧。
西尼玛斯科普宽银幕(Cinemascope)：参见宽银幕(wide screen)。
真实电影（Cinéma vérite）：“指一类纪录片，通过便携的、不引人注意的设备，并且避免任何预设的、与拍摄内容有关的叙事线或者概念，力求体现出即时性、自发性和真实性。其独特的技巧···是电影制作者询问并探查被采访对象。
高潮（climax）：指复杂状态（complication）达到最为紧张的一刻，对立冲突的各方力量互相面对，达到动作和情绪的顶点。
特写（close—up）：拍摄人物或物体的近距离镜头；人物特写镜头通常只突出表现面部表情。
颜色（color）：人对光线放射能量的纯粹生理感觉，一种有别于光、影的视觉特质。
上色（colorization）：用计算机为早期的黑白电影上色，用于在电视上播出或制成录像带销售和出租。
色板（color palette）：影片使用或着重表现的若干特定色彩，它们贯穿全片，微妙地传达人物和故事多个层面的涵义。
色环（color wheel）：标准的参照装置，艺术家用来说明原色和次色的关系。
解说型演员(commentators)：参见阐释型演员(interpreters)。
补色和谐（complementary harmony）：色环上相对的色彩组合创造的效果。这样的色彩彼此间能形成最鲜明生动的衬托，比如红色和绿色组合。
复杂状态（complication）：冲突开始出现并逐渐变得明朗化、更强烈、更重要的故事发展阶段。
计算机成像技术(computer-generated imagery,CGI)：完全由电脑指令生成的视觉画面，而非标 准的拍摄画面或者定格动画（stop—motion animation）。这种方法广泛地应用于很多类型的电影中，不过直到1990年代，才出现全部由计算机成像技术制作的动画长片，如《玩具总动员》和《虫虫特工队》。
冷色（cool colors）：看上去传递或暗示凉爽感的色彩，如蓝色、绿色和灰褐色。
工作样片（dailies）：未经剪辑的当天拍摄的胶片，由导演评估是否在最终版本中使用。
闷屏（dead screen）：少有或没有什么戏剧性或美学上令人感兴趣的视觉信息的画面，参见活屏(live screen)。
无声声轨（dead track）：完全没有声音的一段声轨。
深焦镜头（deepfocus）：特殊镜头，允许摄影机同时清晰聚焦半米到一百余米范围内的各个物体。
结局（denouement）：指高潮（climax）之后的一段短暂的平静，冲突各方回归相对平衡的状态。
不饱和色（desaturated color）：饱和度或明度较低的颜色。让颜色比正常值更浅或更暗可以降低其饱和度。
发展/动态的角色(developing or dynamic characters)：受剧情故事深刻影响的人物，随着电影情 节的发展，其个性、态度或者生活观念发生重要改变。参见静态角色（static characters）。
数字音响（digital sound）：影院中经过杜比或DTS技术处理，将标准的光学声音转化为二进制的数字信息，大幅提高音质的声音拷贝。
直接电影（direct cinema）：“纪录片的一种类型，在1960年代兴起于美国，由电影制作者阿尔伯特·梅索斯命名，意思是这种方式对于所表现的题材具有直接、即时和可信等特征。避免采用事先计划的叙事及拍摄方式··事件似乎在它们发生时就被记录下来，没有经过预演，只进行最少量的剪辑。人物对白没有任何引导或打断····镜头直接对准拍摄主体，等待他们将自己充分展现在镜头前··同一一个时期在法国兴起的真实电影（cinémavérite）也运用许多相同的技术和···设备，这两个概念容易混淆···但真实电影的特色相当明显，影片中会出现电影制作者的声音，通过提问对拍摄主体进行采访和探究，以引出真相，并创造出戏剧性的曝光效果和情境。”
导演剪辑版（director's cut）：电影的一个特殊版本，与影院上映的版本不一样。最经常出现于录像带、VCD或DVD中，在导演个人的监督控制之下完成，而早先影片的最终剪辑权可能属于电影的制片人和制片厂。
导演诠释视点(director's interpretive point of view)：参见电影的视点(point of view,cinematic)。
叠化（dissolve）：上一个镜头逐渐隐没，同时下一个镜头开始显现。通过将一个淡出镜头叠加在另一个相等长度的淡入镜头上，或将一个场景叠加在另一场景之上来实现。
杜比—环绕声音系统（Dolby—Surround Sound）：针对影院设计的多声道立体声系统，采用一种编码程序实现360度的声场——由此创造出比实际数量更多的扬声器的音响效果。
戏剧型表演（dramatic acting）：要求有情感和心理深度的表演，通常包括不带身体动作的连续而紧张的对白。
戏剧视点(dramatic point of view)：参见文学视点(point of view,literary)。
剪辑模式(editing pattern)：参见由内及外的剪辑(inside/out editing);由外及内的剪辑(outside/ in editing)。
群戏（ensemble acting）：所饰演角色具有同等重要性的一群演员的表演。
定场镜头（establishing shot）：新场景的开场镜头，显示场景的总体概览和演员在场景中的相对位置。
陈述/介绍部分（exposition）：故事中用于介绍人物、展示他们之间的某些联系，同时将他们置于一个可信的时间和空间的部分。
表现主义（expressionism）：一种试图表现角色内心世界的戏剧或电影的表现技巧。在电影中，通常将正常状态的画面进行变形或夸张，让观众知道影片正在表现人物内心深处的感受。
外部冲突（external conflict）：中心人物与其他人物之间，或者中心人物和一些非人类力量如命运、社会或自然之间存在的个人或个别的斗争。
外部隐喻(extrinsic metaphor)：参见视觉隐喻(metaphor,visual)。
视线镜头（eye—line shot）：显示人物所看之物的镜头。
淡出/淡入（fade—out/fade—in）：一种转场方式，一幕场景的最后一个画面逐渐变暗，同时下一幕场景的第一个画面逐渐清晰变亮。
快动作（fast motion）：当场景以少于标准速度（24帧每秒）拍摄而以正常速度放映时出现的疯狂、急促而颠簸的运动效果。
黑色电影（filmnoir）：“法国批评家创造的一个称谓，描述以黑色、忧郁的调子和愤世嫉俗、悲观主义的情绪为特征的一类电影。字面的意思是‘昏暗的’（或‘黑色的’）电影，这个称谓...用来描述那些1940年代至1950年代早期的好莱坞电影，描绘黑暗、阴郁的犯罪和腐败的底层社会···黑色电影以大量的夜晚场景为特征，无论室内还是室外，布景显示出阴暗的写实性，布光突出深色阴影，强化了宿命感。”
新黑色电影（Neo—filmnior）：指1960年代中期以后制作的试图重现上述特征的电影。
最终剪辑（finalcut）：电影的最终完成形式。电影制作者或制片人确保拥有最终剪辑权，可以保证他/她核准之后影片不会再被改动。
第一人称视点(first-person point of view)：参见文学视点(point of view,literary)。
鱼眼镜头（fish—eye lens）：一种特殊的极端广角镜头类型，除镜头中心外的水平和垂直平面都会产生弯曲，并使所拍摄场景的深度关系变形。
闪回（flash back）：一个回到过去的电影段落，为当前镜头提供说明性材料——当它在戏剧效果上最为恰当、最有表现力时，或者在最能有效说明主题时出现。
闪切（flash cuts）：将大量碎片化的画面剪接在一起，用来压缩情节。
闪前（flash forward）：一段描述未来情景的镜头——画面从当前进入未来。
扁平人物（flat characters）：二维的、可预测的人物，不具有心理深度上的复杂性和与众不同的特质。
画面翻转（flip frame）：一种转场方式，整个画面似乎翻转过来，呈现出一个新的场景——非常像翻页的效果。
衬角（foils）：作为对比衬托的角色，他们的举止、态度、观点、生活方式、外貌体征等都与主角相反，由此相当清晰地限定出主角的个性。
动效录音师（Foley artist）：电影声音技术人员，在影片初步制作完成后，负责添加可见动作的音响（如走路、打斗或摔倒)以提高声轨效果。
强化透视法（forced perspective）：一种美工设计技巧，从具体实物上对场景的某些方面进行变形，缩小背景中物体和人物的尺寸，造成前后景之间有更大距离的错觉。
同形剪接（formcut）：一种转场方式，利用两个连续镜头中相似轮廓的物体或形象，从前一个镜头的画面流畅地过渡到下一个镜头的画面。
定格（freeze frame）：电影拍摄完成后在洗印厂制作而成的一种效果，一帧画面在胶片上重印很多次，使得电影放映时，该运动看起来似乎停止了，就像冻住了一样。
全局式配乐（generalized score）：一种配乐效果，试图表现影片整体或某个段落的总体性情绪气氛，通常使用少数反复出现的音乐主题在节奏或情绪上的变体。也称为隐性配乐（implicitscore)。
类型片（genrefilm）：指利用观众对熟悉的剧情结构、人物、场景等的心理期待创作的电影，如西部片、黑帮片、歌舞片或黑色电影。在更广泛的意义上，“类型”和“子类型”等术语可指各种电影样式。
扫视节奏（glancing rhythms）：快速或慢速剪辑方式造成的某种兴奋或沉闷的感觉。慢速剪辑模拟某个平静的观察者的扫视节奏，而快速切换则模拟一个极度兴奋的观察者的扫视节奏。
玻璃接景法（glassshot）：一种电影拍摄技术，透过一个绘在玻璃上的场景拍摄后面的真实动作表演。一些著名的影片如《乱世佳人》和《宾虚》，都曾使用玻璃接景法拍摄，将人物和故事合成到景观之中，那些景观难以搭建成三维实体，或者成本太高。在当代电影制作中，计算机成像技术（CGI）越来越多地被用来增强或替代玻璃接景法。
高角度镜头（high—angle shot）：摄影机高于视平线拍摄，借此矮化拍摄主体，减弱其重要性。参见低角度镜头(low-angle shot)。
高调光（high—key lighting）：光照区大于阴影区的布光方式；主体呈现为中灰色调和高光调，反差较小。参见低调光(low-key lighting)。
色相（hue）：色彩的同义词。
角色再现型演员（impersonators）：角色再现型演员是指那些能够摆脱自身的真实身份、个性，展现剧中人物人格特征的演员，尽管他们之间几乎没有共同之处。
隐性配乐(implicit score)：参见全局式配乐(generalized score)。
间接主观视点(indirect-subjective point of view)：参见电影视点(point of view,cinematic)。
直入本题（in medias res）：拉丁语，意为“在事情的中间”，指以某个令人激动的事件作为开场的故事讲述方式，而按照时间顺序，该事件发生在故事的复杂状态（complication）之后。
由内及外的剪辑（inside/out editing）：一种充满动态张力的剪辑模式。剪辑师让我们从一条已知的情节线突然来到一个新场景中的细节特写镜头面前，这个细节没有呈现在场景的背景之中，因此我们不知道自己在哪里，也不知道发生了什么事。随后，在一系列相关镜头中，剪辑师让我们从特写镜头退后，显现出该细节和所处环境的关系。
内心冲突（internal conflict）：主要角色内在的心理冲突。主要是某个人物性格的不同方面之间的心理斗争。
阐释型演员（interpreters）：演员所饰演的角色在个性和体貌特征上非常接近他们自己，他们对这些角色进行戏剧上的阐释时，无需完全隐去自身的形象特征。也称为解说型演员(commentators)。
内部隐喻(intrinsic metaphor)：参见视觉隐喻(metaphor，visual)。
不可见声源的声音（invisible sound）：不在银幕画面内的声源发出的声音。参见可见声源的声音(visible sound)。
反讽（irony）：文学、戏剧和电影的创作技巧，包括将相反事物并置或建立关联。
跳切（jumpcut）：从一个连续镜头中删掉不重要或没必要的情节。这个术语也指两个在动作和情节连续性上不匹配的镜头的连接。
主导主题（leitmotif）：某个角色重复某个词组或想法，直至它几乎成为该角色的一种标志。在音乐中指主旋律，用某个单一音乐主题的重复来宣告某个人物的再次出现。
活屏（live screen）：在视觉上充满戏剧或美学的趣味信息的画面，通常在构图中包含某种形式的运动。参见闷屏(dead screen)。
本色（localcolor）：物体与其他颜色隔离，在完全白色的环境中并在完美的白色光源照射下呈现出来的颜色。
全景镜头（long shot）：从远处拍摄的镜头，通常在表现主体的同时，也表现主体所处的环境。
长镜头（longtake）：长达数分钟的不中断的镜头。许多导演（追随着奥逊·威尔斯在《邪恶的接触》中那段著名的、持续时间很长的开场画面）都曾在影片中创造出类似效果。其中著名的例子有，马丁·斯科塞斯的《好家伙》等电影，保罗·托马斯·安德森的《不羁夜》，布莱恩·德·帕尔玛的《虚荣的篝火》（The Bonfire of the Vanities），还有罗伯特·奥特曼的《大玩家》（影片开场对威尔斯《邪恶的接触》的开场片段进行了戏仿，在效果上亦可与之媲美）。
外视镜头（look of outward regard）：一种客观镜头，显示人物正在看银幕外之物，由此使我们对该角色正在看什么感到好奇。
低角度镜头（low—angle shot）：摄影机低于视平线拍摄，从而夸大表现主体的体积和重要性。参见高角度镜头(high-angle shot)。
低调光（low—key lighting）：将场景大部分置于阴影中的布光方式，只用少量的高光来辨识出主体。参见高调光(high-key lighting)。
遮片合成拍摄（matteshot）：特殊的视觉效果合成技术，使用某些视觉遮片，将两个以上图像拍摄到单个电影画面内。
视觉隐喻（metaphor，visual）：一种简明扼要的对比，利用某个意象和另一意象的相似性，帮助我们更好地理解或感受这个意象。通常通过将两个意象在连续镜头中剪辑并置来获得这种效果。在电影中有两种常用的视觉隐喻：
外部隐喻（extrinsic）：隐喻意象本身不属于情节前后必需的内容，而是导演人为地插入场景中的。
内部隐喻（intrinsic）：隐喻意象本身就存在于场景的自然背景中。
米老鼠式配乐（Mickey Mousing）：计算好的音乐和动作的准确契合，音乐节奏与在银幕上活动的物体的自然节奏精确匹配。
缩微世界（microcosm）：意为“小型世界”，一种与外界隔绝、自给自足的特殊场景，在其中人的活动实际上代表了世界上全体人类的行为或处境。
场面调度（mise—en—scène）：“法语术语，意为‘置于场景中”，最初用于描述舞台导演的舞台设计，即他/她对舞台上所有的视觉构成要素的安排方式，这个术语在电影评论中颇为时髦，并从电影语境中汲取了新的涵义。在讨论电影时，场面调度指单个画面的构图——物体、人物和人群的关系，明暗对比，色彩的模式，摄影机位置和视点——还有画框内的运动。” “安德烈·巴赞，以及后来的其他理论家与批评家，曾使用[这个词]来描述一种电影风格，其导演方式从根本上有别于人们所熟知的蒙太奇。通过剪辑赋予连续的两个画面某种关系，从而产生意义，这就是蒙太奇的含义。而场面调度则强调单一画面的内容。它的支持者将蒙太奇视为对具体环境中人的心理完整性的打断，并引用奥逊·威尔斯带有很多深焦构图的影片《公民凯恩》作为例子支持自己的观点。场面调度和蒙太奇之间的分歧，在实践上并没有在理论上那么深;大多数电影制作者在执导电影的拍摄时两种方法都用。”参见蒙太奇(montage)。
单色谐调（monochromatic harmony）：由一种色彩在明度和饱和度上做出变化形成的效果。
蒙太奇（montage）：一组声音和画面由复杂的内在关系生成意义，形成一组小型的视觉诗。“这个术语··今天通常被认为与（俄国电影制作者）谢尔盖·爱森斯坦的作品和理论联系在一起，表示对并置镜头进行修辞性安排，以使两个相连的画面的冲突暗示出第三种、独立的实体，并产生出整体上新的意义。爱森斯坦的蒙太奇思想受（美国电影先驱）D.W.格里菲斯的剪辑技巧的启发而形成。”参见场面调度(mise-en-scène)。
母题（motifs）：贯穿全片反复出现的画面、模式或思想，是电影主题的变异或某些层面。弱化色彩(muted color):参见不饱和色彩(desaturated color)。
命名术（nametyping）：使用在声音、意义或内涵方面具有某些特质的名字以帮助刻画角色形象。
客观镜头（objective camera）：摄影机像远处的旁观者一样观看（记录）动作。参见电影视点(point of view, cinematic).
客观视点(objective point of view)：参见电影视点(point of view,cinematic)。
全知叙述者视点(omniscient-narrator point of view)：参见文学视点(point of view,literary)。
光学效果（opticals）：在工作室胶片洗印过程中制造出的效果。主要画面叠加在另一个画面上，被光学印片机合成到一条胶片上。现代光学印片机在计算机控制下，可以对大量不同画面进行精确的匹配。
由外及内的剪辑（outside/in editing）：传统剪辑模式，剪辑师从新场景的定场镜头开始——有助于观众弄清位置——而后通过数个镜头逐渐带我们深入场景中。只有在我们完全熟悉周围环境后，剪辑师才将我们的注意力吸引到细节上。
绘画效果（painterly effects）：电影制作者制造的、有意识地试图模仿特定绘画作品的效果。
潘那维申宽银幕(Panavision)：参见宽银幕(wide screen)。
摇镜头，横摇（panning）：在水平平面内左右移动摄影机的拍摄视线。
横摇和扫描（panning and scanning）：一种将宽银幕电影画面转换到适合在传统的电视屏幕（4：3）上播放的技术。用于复制的摄影机镜头的横向移动在实现这个过程的同时，也基本上破坏了导演和摄影师创造的原始构图和节奏。
平行剪接（parallel cuts）：镜头在不同场景中的两个动作之间来回快速切换，造成两个动作同时发生并有可能碰到一起的印象。
年代片（period piece）：故事发生在某个较早阶段的历史中而非现在的电影。
本色型演员（personality actors）：他们的主要天赋就是饰演类似自己的角色。虽然本色型演员通常具有某种磁铁般的大众吸引力，却不能扮演多样的角色，因为在他们试图摆脱自己基本的性格特征时，无法表现出真切和自然的感觉。
彼得与狼式配乐（Peter—and—the—Wolfing）：用特定乐器来代表和暗示特定角色的出现的配乐方式。
电影视点（point of view，cinematic）：基本上，在一部影片中可能会使用四种视点：
导演诠释视点（director's interpretive）：导演使用特殊的电影技巧，控制着观众从导演所诠释的角度来看待情节和角色。
间接主观视点（indirect—subjective）：这种视点带着我们贴近动作，提高我们的参与感。让我们产生一种直接参与其中的感觉，而不是通过某个参与者的眼睛来展示动作。
客观视点（objective）：旁观者的视点，暗示了摄影机和拍摄主体之间的一种情感距离。摄影机似乎只是尽可能直接坦率地记录故事里的角色和动作。
主观视点（subjective）：某个参与到动作中的角色的视点。
文学视点（point of view，literary）：有五种在文学中使用的视点。
戏剧的或客观的视点（dramatic or objective）：在这种视点中，我们不会意识到某个叙述者的存在，因为作者并没有评价情节，而只是在描述场景，告诉我们发生了什么事，人物都说了些什么，使我们有一种在现场的感觉，就像看戏一样观察着这个场景。
第一人称视点（first person）：以目击者的角度，对所发生的事还有他/她的反应提供第一手的描述。
全知叙述者，第三人称视点（omniscient narrator， third person）：一个看到一切，知晓一切的叙事者来讲述故事，他/她能够读出所有人物的想法，并且如果有必要的话，能够同时在几个地方出现。
意识流或内心独白（stream of consciousness or interior monologue）：具有第一人称形式的第三人称叙事者，虽然这一情节参与者并非在有意识地讲故事。它是一种独特的内部观察，就像在人物的头脑中安装了麦克风和摄影机，记录下经过大脑的每个想法、画面和印象，没有经过组织、选择或叙述等有意识的加工。
选择性的或有限的第三人称视点（third—person selective or limited）：叙事者是全知的，但这种全知的思想解读能力仅限于，或者完全专注于某一个角色，而这个角色成为中心人物，我们通过他/她来观察动作。
角色视点（point—of—view character）：我们在情感或智性上认同于影片中的某个角色，并通过他/她来体验这部影片。旁白（画外音叙述，voice—over narration）、剪辑和摄影机位置都可被用于实现这个效果。
移焦（rack focus）：在一段连续镜头拍摄过程中，改变摄影机的焦点设置，以便使观众跟着最清晰的对焦平面，将观众的注意力越来越深入地牵引到画面中。这种手法也能反过来运用，使最清晰对焦的画面越来越靠近摄影机镜头。
反应镜头（reaction shot）：显示人物对某个事件的反应而非动作表演的镜头。反应镜头通常是某个受到对白或动作极大影响的角色脸上表现出来的情感反应特写。
后退色（receding colors）：有些颜色看上去似乎要退隐入背景中去，使物体显得更小、离摄影机更远，如绿色、浅蓝色、浅棕色。
伦勃朗效果（Rembrandt effect）：使用细腻的柔光滤镜轻微地柔化焦点并使色彩柔和，赋予整部影片伦勃朗油画般的质感。
粗颗粒胶片（rough—grain film stock）：这种胶片能产生粗糙的、颗粒肌理明显的画面，在黑白之间有着凌厉的反差，几乎没有中间阶段的过渡。参见细颗粒胶片（smooth—grain film stock）。
圆形角色（round characters）：独特的、个性化的角色，具有某种程度的复杂性和模糊性，不容易被归类。也称为三维角色(three-dimensional characters)。参见扁平角色(flat characters)。
饱和色（saturated color）：强烈、无掺杂而纯粹的色彩。比如，饱和的红色不能变得更红。
场景，场（scene）：一组镜头（shot）连接在一起，用于表现发生在某段时间和空间内的完整动作。
段落（sequence）：一组场景（scene）按某种方式连接在一起，构成电影戏剧结构中有意义的组成部分，类似戏剧中的一幕戏（act）。
场景，布景（setting）：电影故事发生的时间和地点，包括给定时间和地点对应的所有各种复杂因素：气候、地形、人口密度、社会结构和经济因素、风俗、道德观念、行为准则。
深色（shade）：任何比正常状态下的色值暗的颜色。例如，褐红色是红色的深色。
镜头（shot）：摄影机一次连续拍摄所记录下的一段胶片。经过剪辑和洗印之后，一个镜头就成了两次剪切或者视觉转场之间的一个片段。
飞行拍摄系统（skycam）：一个小型、计算机化的遥控摄影机，能够以最高时速达32千米的速度沿着缆线飞行，几乎可以去任何缆线能够延伸到的地方进行拍摄。
慢动作（slow motion）：当摄影机以大于正常的拍摄速度曝光，而后以正常速度（24帧每秒）播放时，就形成了慢动作效果。
细颗粒胶片（smooth—grain film stock）：这种胶片能够产生极细腻平滑的画面，能呈现出各式各样亮和暗的微妙差异，创造出细腻的韵味，有艺术感的光影与反差。参见粗颗粒胶片（rough—grain film stock)。
柔焦（soft focus）：为了实现特定效果而将焦点轻微模糊化。
声音衔接（soundlink）：不同场景或段落之间的一种桥梁，通过在两个场景和段落中使用类似或相同的声音实现。
标准银幕(standard screen)：宽高比为1.33：1的银幕。
明星制（starsystem）：一种电影制作方式，利用特定演员对大量观众的吸引力，提高电影在商业上获得成功的可能性。
静态角色（static characters）：在影片中从头到尾基本上保持不变的人物，可能是因为剧情并没有对他们的生活造成重大影响，或者是因为他们对于事件的意义不敏感。参见发展/动态的角色developing or dynamic characters)。
斯坦尼康（Steadicam）：一种单人便携式摄影机稳定器，带有内置陀螺仪，能够避免任何突然的抖动，创造出流畅、平稳的画面。
模式化角色（stereotypes）：符合预设好的行为模式的角色，这种行为模式相当普遍，或者代表了很多人（至少是很多虚构人物）的典型特征，能够让导演在刻画这些人物时得以大大地简化。静止画面（stills）：画面中的人物形象本身并不运动。当摄影机拉近或离开它们或者是移动越过它们时，产生运动的感觉。
常备角色（stock characters）：不重要的角色，他/她的动作完全可以预测，或具有所从事工作和职业的典型特征。
定格动画（stop—motion animation）：从手绘动画技术发展而来的变体，使用玩偶或其他三维物体制作而成。为了在标准的24帧每秒的播放速度下使主体表现出具有生命的感觉，在拍摄时，在两个镜头之间对主体做出非常微小的移动。
意识流(stream of consciousness)：参见文学视点(point of view,literary)。
主观镜头（subjective camera）：摄影机镜头从某个动作参与者的视觉或情感角度来拍摄场景。参见电影视点(point of view,cinematic)。
主观视点(subjective point of view)：参见电影视点(point of view,cinematic)。
字幕（subtitling）：在画面底部打上可见的文字，将电影对白从一种语言翻译成另一种语言。参见配音(voice dubbing)。
超现实主义（surrealism）：戏剧或电影表现手法，使用荒诞的想象，试图表现潜意识的运作方式。超现实主义的画面具有某种奇怪的、如梦般或非现实的特质。
象征（symbol）：在艺术、文学和电影中，除了本身的原义之外还表示某个抽象概念的元素（比如一个物体、名字或姿势）。通过唤起意识主体大脑中先前与该元素形成关联的思维来建立这种表征关系。
活人画（tableau）：通俗戏剧中运用的一种技法，在大幕落下之前，演员保持戏剧性的姿势几秒钟，以使观众铭记这个场景。
镜次（take）：对同一个镜头（shot）进行的多次拍摄。在剪辑室里，剪辑师为每个镜头选择效果最好的一个镜次来组装电影。
长焦镜头（telephoto lens）：类似望远镜的一种镜头，能将拍摄主体拉得更近，但同时也减小了深度感。
融格（thawed frame）：与定格（freeze frame）相反的画面效果——场景以凝固画面开始，而后消融到活动状态。
主题（theme）：文学作品或电影的关注中心，作品围绕着这个焦点建构。在电影中，主题可以细分为五类：情节、情感效果或情绪、人物、风格或质感，以及思想。
有限的第三人称视点(third-person limited point of view)：参见文学视点(point of view,literary)。
三维角色(three-dimensional characters)：参见圆形角色(round characters)。
直摇（tilting）：在垂直平面内上下移动摄影机的拍摄视线。
延时摄影（time—lapse photography）：一种极端的快动作形式，以固定不变的时间间隔（从一秒到一个小时甚至更长）拍摄每帧画面，然后以正常速度（24帧每秒）播放，从而将一个通常需要几个小时或几星期才能完成的动作压缩成银幕上的几秒钟。
浅色（tint）：比标准色值要亮的色彩。例如，粉色是红色的浅色。
染色（tinting）：画面洗印之前对电影胶片的化学着色。在洗印时，画面中的空白部分保持浅色，产生一个由两种色彩——黑色和浅色构成的画面。
调色（toning）：在电影胶片感光乳剂中添加染色剂，以便给图像的线条和调子加上颜色。
旅行音乐（traveling music）：几乎作为一种固定套路来使用的音乐，使人产生存在多种交通工具的印象。
三色谐调（triad harmony）：由色环上等距离的三种色彩创造的效果，例如三原色：红色、黄色、蓝色。
扮演类型化角色（typecasting）：大制片厂和一些导演的一种安排，将特定演员限制在很窄的、几乎相同的角色范围内。
色值（value）：在既定色彩中白色或黑色的比例。
可见声源的声音（visible sound）：出现在银幕上的声源自然而真实地发出的声音。参见不可见声源的声音(invisible sound)。
配音（voice dubbing）：用本国语言对白声道取代外语对白声道。对应影片中外国演员的口型和唇部动作来录制本国语言配音。参见字幕（subtitling）。
旁白（画外音叙述，voice—over narration）：来自银幕外的声音，传达必要的背景信息或填补情节间的缝隙以保持连续性。
暖色（warm colors）：看上去传达或暗示温暖的色彩，如红色、橘色、黄色和淡紫色。
广角镜头（wide—angellens）：拍摄宽阔区域的镜头，增加深度感，但有时画面边缘会被扭曲。
宽银幕（wide screen）：人们通过多个商标名了解到这种银幕形式，如西尼玛斯科普宽银幕(Cinemascope)，潘那维申宽银幕(Panavision)以及维视宽银幕(Vistavision)，它的银幕宽高比有多种比值，从1.66到1.85，到2.35，再到2.55（标准银幕为1.33）。
划接（wipe）：一种转场手法，新画面和之前的画面通过一条水平线、垂直线或者对角线分隔开，随着该分割线从银幕一端逐渐移到银幕的另一端，划去原来的画面。
变焦镜头（zoomlens）：一系列复杂的镜头组合，能够保持画面持续地聚焦，而且，通过缩放主体，使摄影机看上去似乎能在本身不移动的情况下，靠近或远离主体。